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[硕士论文] 刘国权
文艺学 哈尔滨师范大学 2017(学位年度)
摘要:弗兰兹·博厄斯,美国人类学之父,20世纪占主导地位的人类学历史文化学派的创始人,他以扎实的理论基础,踏实的田野调查,详实的史料分析,纪实的图文展现建构起了考古学、语言学、体质人类学、社会文化人类学四个学科的学科结构;没有假定文化实践只能在普遍的进化阶段的框架中才能得到解释,而认为文化实践只有放在特殊的文化语境中才是可解释的,形成了别具特色的人类学思想。博厄斯的文化理论和原始艺术理论,有力地反击了当时有失偏颇的文化进步主义、文化单一主义、文化传播主义,强调文化的民族特色、独特价值和横向联系,并借此宣扬每一个民族都有其值得尊重的价值观、发展史和地域性,具有时代进步性和有力批判性,并对世界范围内的原始艺术理论及当代艺术思想产生了积极、深远的影响。
  本文在绪论中简要介绍了博厄斯的生平事迹和研究成果,以及国内外学者对博厄斯理论的研究现状。在第一章对博厄斯艺术理论进行探源分析,浅析博厄斯对艺术理论和艺术史学理论的继承和对心理学、人类学、社会学的借鉴;在第二章对博厄斯的文化理论进行阐述,通过对博厄斯“历史特殊论”、“文化相对论”、“文化区域论”、“文化模式论”的学习研究,探讨博厄斯艺术理论的思想基础;在第三章专章阐述博厄斯的原始艺术理论,围绕“什么是艺术”、“艺术的基本特征”、“艺术的基本风格”三个艺术基本问题构建博厄斯艺术理论基本体系;在第四章分析博厄斯艺术理论对原始艺术理论和当代艺术思想的影响,指出博厄斯艺术理论的重要贡献和积极意义。文章在最后的结语中简要分析了博厄斯艺术理论的局限性,强调辩证分析、批判借鉴才是艺术理论丰富完善、创新发展之道。
  本文的意义在于,从博厄斯“形式是艺术的基础”这一经典论断出发,整理并阐释博厄斯原始艺术理论的思想渊源、基本内涵、时代价值和后世影响,填补国内学术界,尤其是学位论文领域对博厄斯艺术理论研究的空白;并结合社会进步现状和艺术发展实情,就如何辩证分析、批判借鉴博厄斯文化理论、艺术理论提出自己的思考和见解。
[硕士论文] 陈桐
文艺学 河北师范大学 2017(学位年度)
摘要:唐君毅作为现代新儒家的重镇之一,他的哲学思想向来是学者们探讨的重点,他关于中国艺术精神的阐释亦不容忽视。在西学东渐的历史语境下,面对民族文化危机,唐君毅从中西文化特征对比入手,挖掘中国传统文化的价值。中国艺术作为中国文化的一个重要维度,自然也是唐君毅所关注的重点。论文分析唐君毅中国艺术精神观产生的国内外背景、思想基础及其“虚实相涵”、“游”的特征,探析唐君毅中国艺术精神与文学精神的关系,并且将之与徐复观对中国艺术精神的分析进行对比,对唐君毅的中国艺术精神观进行一个较为全面的论述,进而发掘其背后的文化意蕴。唐君毅对中国艺术精神的挖掘,不仅为解决当时的文化危机指明了中西文化相互借鉴的新方向,也为中国传统文化的现代性转换提供了新思路,这对当今中国文化乃至世界文化的融合与发展具有指导性意义。
  本文除绪论外共分四部分。
  论文第一章对唐君毅的生平和著作进行概述,重点对唐君毅的中国艺术精神观的国内外背景进行说明。从国外方面来看,西方文化浪潮对中国文化的冲击,造成中国文化危机;从国内方面来看,人们对传统文化失去信心,纷纷倒戈。唐君毅提出返本开新的主张,阐扬中国传统历史文化的精神价值,提出当时文化危机的应对之策。
  第二章分主要从唐君毅对中西文化特征的对比入手,探析中西对比张力下他对中国艺术精神的阐释,突出中国艺术精神的独特之处,进而肯定中国文化精神的价值。唐君毅的心性观、感通观以及关于艺术中时空观的理解,都为他分析中国艺术精神奠定了思想基础。他认为中国艺术精神显现出了“虚实相涵”、“游”的特征,且这些特征在中国文学中也有体现,故他进一步分析了中国艺术精神和中国文学精神的相通之处。
  第三章将唐君毅的中国艺术精神与徐复观的中国艺术精神进行对比,从对中西文化的引用、对道德和艺术关系论证以及对儒道两家艺术精神阐述的不同这三个方面入手,从而凸显唐君毅中西对比视角下的中国艺术精神的独特之处。唐君毅对中国艺术精神的阐释是从宏观处着眼,以比较中西文化特别是艺术方面的不同为前提的;他把握到传统文化中的“心”和“性情”,并以此为理论出发点,去发掘中国艺术精神中道德和艺术的关系;在当时社会各界人士反对甚至批判儒家文化的背景下,唐君毅重新阐释儒家艺术精神,并给予其很高的评价,以期提高儒家文化的地位。
  第四章对唐君毅中国艺术精神进行反思。他提出以平等的眼光看待中西文化,在发扬传统文化精神的基础上,吸纳西方文化的精华,为当时的民族文化危机提供解决之法,为传统文化的现代性转换提供思路。这在文化交流、碰撞的今天仍发挥着重要作用。但其思想也存在忽视审美纯粹性和主观唯心主义的缺憾。
[硕士论文] 张旎
文艺学 三峡大学 2017(学位年度)
摘要:“物感”与“物哀”(もののあわれMONO NO AWARE)是中日古典诗学、美学中,涉及心物关系的两大核心理论范畴,它们诞生于不同的地域,从属于不同的民族。它们以殊异的面目呈现,又以汇通的实质并存。在理论形态上,都表现出东方美学特有的直觉体悟性、模糊性、形象性等特点;在理论内涵上,都体现出中日民族对审美主体、审美客体及主客关系的思考;在理论思维上,都反映出东方民族共有的综合性、整体性、联系性等思维方式;在理论发展上,尽管二者存在一定的历史错位,但都体现出人类思维的共性。
  “物感”说涵义丰富、发展成熟、影响深远。“天人合一”和“道”论是它的根底,《礼记˙乐记》是它的基石,魏晋六朝的文论使它成熟,白居易、王夫之等人受它的影响,它是我国古典文论的一个枢纽。日本“物哀”论则在18世纪才作为一个完整的诗学、美学概念被明确提出。它从原生固有的神道思想里诞生,浸透着中国儒释道三家文化的气息,最终在江户时代的复古国学思想里臻于完备,形成了与“物感”相似又相异的诗学、美学范畴。这些共识和影响因子构成了中国的“物感”说与日本的“物哀”论(もののあわれ)相互比较的前提和基础。
  从审美主体上说,中国的“物感”说受儒家“诗教”观的影响,不仅强调文学作品表达的主体情志,要符合社会的伦理、道德规范,而且强调主体抒发的情感需“乐而不淫、哀而不伤”,受到“礼”的约束;“物哀”论则认为,文学作品应当直面创作者内心,抒发纯粹的个人情感,它在佛教“无常观”的影响下,体现出个体对命运无常的哀怨和悲慨。
  从审美客体上说,中国的“物”经人们长期实践、经验总结,已深化为具象、普遍性的物。而日本的“物”,原本写作“もの(mono)”,最初指人们意识虚构中的神鬼精灵等物,具有宗教性色彩。显然,中日的“物”,从本质上便具有一定的差异。这种差异性延伸到文学、美学领域,使“物感”既强调要以“随物赋形”的方式,在叙述上尊重审美客体的客观性,又强调“物感”要直面现实、揭露现实,突出作品的社会功能;“物哀”则认为,应当选取最能代表主体情感的审美客体,以同情互渗的方式,将对象彻底情化,丰富主体情感的表达。
  从主客关系上说,“物感”说与“物哀”论都体现出“心物融合”的特质。但在“物感”说的主客交融之初,审美主体却呈现出相对平静而被动的状态,交融过程中,个体随主体性地位的上升,开始自觉地运用外物,客观外物此时变成激发情感的手段,融合之后,主、客体又在各自独立的基础上,建立起回环往复、双向交融的动态关系,并且,在此关系中诞生的审美意象,通过“以情御物”的方式,呈现出和谐并存的局面。“物哀”论的审美主体则一开始,便主动去感受外物,融情于物,而在融合过程中却出现主体消解的状况,交融后期,它的主、客体,又以“我融于物”的方式,建构起“融合、同化”的关系,在融合中实现物我边界的消弭,以“物”的生命形态取代“我”的生命形态,同时,在此关系中诞生的审美意象又以关联性的方式,烘托出“我”对生命无常的悲叹。
  尽管中国的“物感”说对日本的“物哀”论有着直接而深远的影响,二者在表述和内涵上也有着极大的相似。但毕竟植根于不同的文化环境,长久以来的发展使它们趋于不同的路径,只有作同中取异、异中取同的比较,方能厘清两者的关系,深化对两国古典美学的认识,促进东方美学的发展。
[硕士论文] 潘玲妮
艺术学理论 浙江理工大学 2017(学位年度)
摘要:范寿康是20世纪早期我国现代艺术美学思想的重要开拓者人之一,但一直以来缺乏系统的整理和深入的研究。本文以范寿康的艺术美学思想为研究对象,主要探析其艺术美学思想的文化渊源、基本内涵、重要特色,以及对当代艺术理论建设和相关实践的启迪。
  本研究分为四个部分:第一章探讨了范寿康艺术美学思想形成的中西文化渊源。着重梳理了范寿康对于儒家文化中“仁”的吸收以及对康德美学中“无利害性”的借鉴。第二章研析了范寿康艺术美学思想的基本内涵。梳理总结了范氏关于艺术与生命、艺术与人格、艺术与解脱等问题的基本见解。第三章归纳提炼了范寿康艺术美学思想的重要特点。集中聚焦了其崇尚美的情感和回归生命本真这两个突出的方面。第四章总结了范寿康艺术美学思想的当代启思。重点探析了其重视生命情感传达和情智合一的艺术美学观对当今艺术实践的启迪。
[硕士论文] 单月
美术学 大连理工大学 2016(学位年度)
摘要:自现代主义开始西方的艺术便深受东方哲学观念尤其是禅宗的影响。“禅”作为我国本土的文化精髓它的迹象仍然随处可见,却又往往被人们忽视。“禅”是一种思维认识方式也是一种审美意境,本文以当代艺术创作中形象的为切入点,参照相关文献资料,相关主题创作的展览,以此分析其意义与中国当代艺术审美、形式、语言等方面的联系。
  本研究分为五个部分:第一章,介绍本选题的背景及研究意义、相关文献的综述、本文的研究思路和方法,本文的创新点以及技术路线。第二章,相关概念的界定,“禅”的历史追溯与“禅”的特点,进而提出“禅”对待事物形象的不住于相与无分别心。最后阐释“禅”的审美意境。本节主要在于消解人们对于佛禅思想的主观臆想,以客观的方式分析总结“禅”的意境中对形象的认知态度进而解释其产生的“空”的审美意境。第三章,为“禅”与艺术审美价值上的共性与关联分析,解析“禅”的主要特点与艺术创作形态以及艺术形式语言上的相通之处,依据具体创作与理论构建其中所存在的必然联系。第四章,论述禅境在我国当代艺术上的实践与表达,以新媒体为创作媒材表达禅境的作品归类,当代实验水墨中的禅意与禅修式的当代创作语言,并结合具有代表性的当代艺术家和他们的作品进行论述,这些当代艺术家一改禅意创作所传递的虚无主义等消极避世,将“禅”进行了当代的转换与时代结合紧密。第五章论述“禅”作为中国传统精髓的在当代创作环境中发展上所面临的问题,其价值往往被轻视,从而分析得出结论为何要比以往更注重禅宗哲思在当代艺术创作的运用与实践的申述。
[硕士论文] 张小山
美术学(公共艺术创作与理论研究) 中国美术学院 2016(学位年度)
摘要:暂时性公共艺术作为公共艺术体系中的一种艺术形式,主要包括在自然环境中、城市广场与街道、当代艺术展览中等具有短暂性特点的公共艺术形态。暂时性公共艺术不仅具有短暂的时间概念,同时也具备开放的艺术表现形式。其鲜明的特质构成了暂时性公共艺术具有公共性、时效性、灵活性、观念性等主要特点,这些主要特点也是永久性公共艺术所欠缺的。暂时性公共艺术承载着多元化的职能,主要表现为:构建地域文化、促进区域经济发展、完善公共艺术体系以及公共福利建设等。因此,暂时性公共艺术不仅是当代公共艺术体系当中的重要组成部分,也是未来公共艺术可持续发展的重要途径之一。
  笔者首先对暂时性公共艺术的概念进行了分析,在此基础上对暂时性公共艺术历史的缘起、主要的艺术特点以及具体的表现形式进行了分析。进而论述了暂时性公共艺术的职能。在此基础上对暂时性公共艺术未来发展模式及可能性进一步探究。
[硕士论文] 邬祯骏
美术学(公共艺术创作与理论研究) 中国美术学院 2016(学位年度)
摘要:西炉村公共艺术的介入是从中国乡村建设的当下境遇出发,通过实地考察,理论分析公共艺术在西炉村公共空间中的介入方法、融合元素以及具体公共艺术计划的实施,来实现公共艺术在乡村公共空间里的诉求。
  仙居西炉村在各个阶段面临的问题各不相同,公共艺术是一个很重要的介入形式,亦或是一个载体。对于乡村公共空间的介入,制度的确立及推进是首要任务,民众观念的改变、公共教育的问题亦是重中之重;公共艺术落地则需要考虑更多的是艺术公共性的明确指向、公共语境中的个性表达,因地制宜的艺术策划这一系列具体的方式方法。最后通过这些方式方法来推进具体公共艺术计划的实施,既增加了民众对这个区域的识别度、认知度、好感度,也对乡村建设、周边区域的历史脉络,以及内在的人文精神的了解都起到一定的作用。
[硕士论文] 冯庆佳
马克思主义理论·马克思主义基本原理 兰州大学 2016(学位年度)
摘要:艺术是精神的驱壳,精神是艺术的灵魂。离开艺术的精神无法成为实体,而离开精神的艺术只是空壳,在阿多诺看来或许连空壳也算不上。否定的辩证法就是现代艺术的哲学基石。启蒙以来,理性代替神成为了新的神话,于是资本的世界中凡是不能为理性思维所归纳的东西都被切除。阿多诺认为理性概念极力想要描述的东西恰恰就是概念的机制所排除掉的东西,非同一性的非概念物本身才是哲学所感兴趣的地方。概念不应该成为认识的终点,而应该是认识的起点。现代艺术自身成为了异样性的存在,在同一化的社会中“理所当然的”被认定为“反艺术”。
  阿多诺的现代艺术观产生于一体化的社会,这个“被管理的社会”严重压抑了人的主体性。就此,阿多诺认为现代艺术必须保持自身的艺术自律性,对社会进行否定和批判才能保持艺术本性,为人提供真理性的内容,发挥救赎的作用。阿多诺的现代艺术观来源于其哲学思想,如果说否定的辩证法是关涉理论的东西,那么阿多诺的现代艺术观就是这个理论所指向的社会实践,阿多诺的现代艺术观即是阿多诺的艺术哲学思想。他将非同一性和否定性的哲学思想贯穿其艺术思想,试图在艺术领域进行“反艺术”的审美救赎之路的探索。以艺术作品的真理性内容为救赎的核心内容,论述了真理性内容产生的源泉,“社会的社会对立面”的艺术与社会的关系,揭示了现代艺术怎样实现“救赎”。以“反艺术”为救赎的机制,论述了“反艺术”是怎样进行“救赎”的,“反艺术”的具体形态追求抽象性,具体来说是追求蕴藏在其中的抽象性新事物。
  最后把阿多诺哲学和艺术思想结合在一起进行了综合式阐述和总结以后,再对其进行反思。对理论和观点的反思,以及对其理论为我国的现代文化艺术提供启示的思考,这是行文的最终落脚点,只有在分析和阐述的基础上进行反思,才能获得思想的进步和升华,从而提供具有现实意义的论断。
[硕士论文] 刘樱
美术学 中国美术学院 2016(学位年度)
摘要:20世纪60-70年代兴起于日本的“物派”,因其地域的特殊性及其独特的形式和观念引起了艺术界的广泛关注。本文从“物派”艺术中所使用的材料及其观念出发,搜集国内现有对物派艺术家作品的评论介绍及物派代表艺术家的访谈等,结合相关学科中的基本概念,试图用横向和纵向的方式进行观看比较,尝试寻找物质与空间在物派艺术中的理解的可能性和方式。
  物派通过选用石、木等材料进行置放,通过不同物质之间的组合使物质与物质、物质与空间形成一种对话,这里面饱含了东方的哲思,它对西方现代社会的“二元论”理念对象化的“制作”(艺术和科学上的)提出质疑,用非叙事的形式将情绪置入事物的组合,物质之间的组合、物质和空间的组合都随着时间和空间的变化而流变。本文借此梳理笔者观点并希望这思考能在笔者以后的创作中起到一定的作用。
[硕士论文] 叶相君
美术(公共艺术创作与理论研究) 中国美术学院 2016(学位年度)
摘要:公共艺术在某种意义上说是在阐释一系列的地域问题和社会问题,或者说是起到解决城市问题和社会问题甚至是文化问题的方式。公共艺术一直以来是它与城市对话、它与人们对话、然后使城市和人对话。它也对某些城市空间进行了重构,使得空间更有活力、更加有魅力、从而达到吸引更多的人去与之互动交流。它让更多的人去关注艺术、享受艺术、从而提高人民大众的精神涵养、人文素质、艺术品位。
  随着中国国民素质和文化品位的提高,以及新农村建设的不断深入,公共艺术介入乡村正逐步开展起来。20世纪以后,陆续有国内外艺术家将公共艺术带入乡村空间的案例,日本的越后妻有乡村正是如此。与此,无论从文化脉络背景还是乡村的发展背景去看,日本乡村与中国乡村有诸多的共通之处,中国乡村的发展阶段也正需要它的启示。
  本文将在理解乡村空间的基础上研究日本越后妻有乡村公共艺术案例的典型性与特殊性并通过案例实践研究探讨中国式乡村空间公共艺术的发展。
[硕士论文] 白淑芬
油画 中国美术学院 2016(学位年度)
摘要:安德烈·马尔罗(1901-1976)的艺术理论在于通过建立一个“对抗的世界”(rival world)来超越时间和现实生活中的虚无,并以此来建造形式的世界(来带动创造的精神)。因此,本文试图从形式世界诞生的角度来切入其理论的研究,来回应马尔罗对艺术的本质提出的革命性的理解和新的认识。
  本文分为两部分来展开阐述。第一部分介绍马尔罗艺术理论的要素。即:艺术是通过创造一个对立而统一的世界,来实现对“虚无”的回应;通过创造另一种意象的世界,来映射其创造性的过程。与这个理念紧密相关的是艺术的精神,艺术的内涵在漫长的时间里不断改变也扮演着不同的角色。艺术受制于时间,因为艺术与历史以及它所依存的环境无法分离。然而,艺术也能凌驾于时间,因为虽然不是所有艺术都能永恒,但是艺术创作能够自身经历蜕变,拥有重生的力量。与传统西方世界将艺术作为所有人类社会共同特征的理解不同,马尔罗认为我们今天每一件被认为是艺术的作品都是建造于一种对立、但又并存的世界。
  论文的第二部分对论点进行了进一步的阐述。通过亨利·福西永(1881-1943)的著作来支撑转化时间和形式的概念。在福西永的文章中能找到他与马尔罗的观念的默契之处——在一个形式化的世界当中,存在着一个更加微妙的世界,它不同于我们对世界的惯性认知,而这种激动人心的心灵冒险,也揭示了艺术形式的内在逻辑和转变的基本原理。最后,本文通过对伦勃朗的艺术的细微观察,感受并追寻一种具有持续意义的和谐世界,进一步说明本论文的主旨。
[博士论文] 张宏
文艺学 哈尔滨师范大学 2016(学位年度)
摘要:恩斯特·汉斯·约瑟夫·贡布里希(Ernst Hans Josef Gombrich,1909—2001)是二十世纪西方最重要的艺术史家、艺术理论家和艺术评论家之一。他也是20世纪积极推动欧美学术界从艺术的视觉研究转向艺术的文化研究的倡导者之一。他在艺术与文化理论研究领域可谓是一位百科全书式的学者,是集哲学、历史学、心理学、社会学、语言学、文学和音乐学等多种学科于一身的大师。他较早地采用交叉视野,“跨学科”的研究方法,打破学科间的壁垒,博采众长,融会贯通使得他在视觉艺术的研究领域做出了突出的贡献:一方面,他开辟了视觉艺术研究领域的语言学视阈,挖掘出艺术与语言之间有相似之处,开辟了视觉艺术研究的语言学探索的新方向;另一方面,贡布里希从视知觉心理学角度对视觉图像内在规律进行探索,扩展了视觉艺术研究领域的心理学维度,把触角伸到心理结构的背景中,分析了视觉艺术作品的多义性呈现及其产生原因,深化了人们对视觉世界的理解。他把视觉艺术研究引入到了艺术创作与欣赏的心理过程,探索了过程背后的深层次的心理学奥秘。在他身上体现了一种视野开阔、多元融合的科学研究的理念。
  本论文由绪论、正文、和结语三大部分构成,其中正文部分为五章,主要论述贡布里希建立自己独特的艺术理论体系和对重要问题的反思。具体如下:
  绪论部分表明本论题的提出依据和研究意义,国内外同类课题、论文、期刊对其理论研究的现状,以及研究方法和研究手段,研究的创新点和难点问题。
  第一章是对贡布里希艺术本体观研究。从本体观的核心概念阐释到两组重要的范畴考察,从挖掘本体观的人本思想内涵到归纳本体观的理论建构,最终落在本体观的方法论实践当中,由此完成了从理论到实践的全面剖析。首先,贡布里希把“概念图像”作为本体观的核心,它是人类再现的一种重要方式。其次,贡布里希提出“所见”与“所知”和“图式”与“修正”两组范畴解决了艺术本体观中“是什么”和“怎么样”学界难题。第三,“实际上没有艺术,只有艺术家而已”鲜明地亮出自己独特的本体观人本思想精髓。第四,他的艺术本体观是在反思和批判的中建构起来的。他坚持以“艺术家中心,兼顾观者与艺术品”,既继承西方传统的精华,又超越了传统视野。他对黑格尔体系及黑格尔学派、文化相对主义持强烈的批判态度,同时做到了对里格尔与沃尔夫林艺术理论的批判式继承。贡布里希强烈批判机械决定论,反对必然性的绝对化,承认偶然性的客观性,推崇观者的主观能动性和社会意识的反作用。他坚持辩证的决定论,承认社会发展具有复杂性和多样性。他试图用“历史选择性”取代黑格尔的“历史决定主义”。这些反思和批判既是贡布里希艺术史观理论的出发点又是其理论建构的落脚点。第五,贡布里希主要从视觉艺术的等效性方法、情境逻辑方法、图像方法和语言学方法四个方面实践了艺术本体观的方法论。在学界较早地实践了学科间交叉互动的新方法。
  第二章论述贡布里希的艺术形式观。首先,他以探索艺术形式产生的根源作为突破口,明确“功能替代物”是其核心要素,以亚里士多德关于创造因学说与康德的主体先验形式为理论基础,阐释了当客体质料形式因契合了创造主体心理预期图式并且为主体所发现、掌握和占有,而不是依靠主体精于制作的能力,这样才会实现形式。形式是艺术品生成的根本原因。贡布里希强调秩序感是主体对艺术形式的直觉感知和体验的能力,通过秩序感的研究有利于我们对艺术形式创造规律的深层把握,而好的格式塔和形式冲动则是艺术形式创造的内在动因。他使用两组公式为艺术形式发展模式命名:一组是“图式—修正”模式,另一组是“制作—匹配”模式。这两组发展模式事实上是同一个过程,只是各自的侧重点不同。其次,贡布里希指出音乐的形式不单纯是一种形式客体它往往寄托在主体的内心生活中为人们的精神生活而存在。他对色彩和谐与彩色音乐存在的原因进行了探索,较早地预测出彩色音乐是可以存在的结论。贡布里希发现纹样中的“方向性成分”同样可以被注入音乐结构之中,音乐中含有“方向性成分”能够在静态图案与音乐结构之间进行类比。他指出“调性体系”是西方音乐的重要表现形式,它的产生和发展在音乐的发展过程中占有重要的地位。经他证实,音乐中其他和弦都受到主和弦的吸引,帮助人们理解音乐“力场”理论。并且提出一种“预期-惊讶-证实”的音乐接受模式。第三,贡布里希对西方造型艺术的形式演变原因进行了探索。他发现建筑艺术是在自觉寻求实际功能与审美形式的并存时才变得具体可感。就建筑本身如何在实用功能的基础上寻求形式之美,并以此展示诸种特殊的符号意蕴将成为建筑艺术孜孜以求的重要目标;尽管雕塑风格各异,形貌错杂,贡布里希仍然发现雕塑背后所隐含的形式模式。这种形式模式不是一个静止的结构,它沟通着整个人类文化,它的形式结构、功能,制约并规范着雕塑文化的特征、功能和形貌。它的变化、发展支配着雕塑文化的变化和发展,以此对西方雕塑模式进行形式上的动态把握;贡布里希对西方绘画形式演变的论述有两个出发点:一个是绘画史就是“问题史”。另一个是绘画史就是画家史。他认为实际上根本没有艺术,只有艺术家。最后,贡布里希对李格尔寻找装饰纹样之间的历史连续性方法上提出质疑。
  第三章展开对贡布里希的艺术创作观的考察。他开创了艺术创作理论研究的心理学视界,其理论成果可直接应用于具体的艺术实践,具有较高的学术价值。首先,以往围绕着视错觉的研究都没有真正寻找到其产生的原因。贡布里希以视错觉的生理生成机制为基础结合知觉恒常心理探寻视错觉的艺术规律,配以可逆图和二维平面上的无理图形帮助观者更好地理解其中的奥秘。其次,从“艺术再现”的阐释入手是深入理解贡布里希艺术创作观的有效途径。他指出“艺术再现”不等同于“摹仿论”,画家不是机械地“摹仿”自己的视觉体验,而是根据既成的“图式”去创造新的“图式”。“艺术再现”也不同于简单“复制”,否则就难以解释清楚再现性艺术的历史为什么就成为了艺术风格的历史。艺术再现还要遵循“投射原则”,它的操作模式是“先制作后匹配”,而且艺术再现永远是一桩双向互动的活动。他的艺术再现理论对20世纪西方阐释学产生了重要影响。第三,他的艺术创作观原则主要有投射原则、情境逻辑原则、制作先于匹配原则和观者能动性原则。第四,贡布里希对漫画的创作原因进行独辟蹊径的剖析,认为其与人的恐惧心理紧密相关,因为笑的出现常常是因为克服了无意识的恐惧而引起来的。他对肖像漫画创作的心理原因进行了探索,认为肖像漫画就是“高级的玩笑”,目的是让人们和漫画家一起重回心灵中的童年领域。
  第四章论述贡布里希的艺术科技观。贡布里希的艺术科技观就是促使艺术与科学之间的关系由相互脱节、相互对立走向全面的相互启迪、相互渗透、相互融通的更高阶段,即艺术科学化,科学艺术化。他针对达·芬奇的绘画科学进行了深度的批判,既指出了他艺术科学化的优势,又批判了他的艺术的乌托邦性质;他既大胆利用现代信息理论阐释信息传播机制,又探寻图像信息读解的复杂性和潜在力;他通过透视生理生成机制说明了科学的进步是促进艺术发展的最重要动力。他对视觉“恒常性”和“不恒常性”的图像效果研究进一步证明了它们的存在是造成视错觉的重要原因。他对摄影理论的创见,证明了科学图像的目的是使看不见的变为看得见的。阐释了见证原则与否定的真实性标准的科学性与艺术性,证明了视觉的选择不是信息,而是一种特别的经验。他在摄影领域里提出了“决定性瞬间”的重要概念。
  第五章主要针对贡布里希的艺术价值观进行理论的探讨和阐释。首先,阐释坚持艺术传统价值的必要性。他用“普通知识就是不普通的知识”给“普通知识”以新解;他以拉斐尔《椅中的圣母》圆形画说明“伟大的艺术需要伟大的传统”;他针对艺术史家们对艺术中光和光泽作用视而不见的现象,深度探索艺术中光泽的使用的历史及其在艺术进步中的重要作用;针对当时欧洲教育体制破坏传统人文科学研究中的“知识整体”性要求进行了有力批判,还给人文科学研究以自由的学术环境。他指出不能用自然科学的现有公式去套用人文科学研究,以防止人文科学研究陷入“学术工业”的困境,防止人文科学研究中出现“四个偶像”的误区。其次,考察他对艺术价值的批判,主要对艺术与艺术家自我超越价值的批判;他提出艺术价值应多元化发展而不是一个“范式”或“一元论”。第三,集中阐释隐喻的艺术价值复杂性。他区分了“隐喻”与“代码”的不同,要根据上下文确定其意义;艺术家的欲望的产生和被否定本身也能成为价值的表现,但前提是这种否定是为了求得更高级的价值才有意义;他批判了西方评论家的“美等同于真”的隐喻,认为这是他们混淆了象征与征象的结果;他还指出强烈情感只有在理性的自我克制中才能呈现出最高价值的隐喻。第四,他对文艺复兴价值给予重新理解。他明确指出历史上文艺复兴恢复的是拉丁文和希腊文的古典风格的流畅性和文艺复兴是观念的进步,并且提出独树一帜的观点,即文艺复兴是运动不是时期,以及文艺复兴时期艺术进步观的巨大影响力。由此可知,贡布里希针对艺术价值进行的理解和诠释成为艺术理论发展中的一个范型,也是我们理解艺术价值的重要思想财富。
  结语部分从五个方面对贡布里希艺术理论作了延展性思考。其一,开放地探讨艺术是我们进一步研究的出发点。其二,贡布里希创造的“巨大的成绩”却成为他理论进一步提升的羁绊。其三,黑格尔主义还是有其存在的价值。其四,要想全面考察艺术与艺术理论,必须跳出贡布里希的框架来审视。其五,指出贡布里希艺术理论的不足。
[硕士论文] 郑晓彤
设计学 山东工艺美术学院 2016(学位年度)
摘要:乔治·尼尔森(George Nelson,1907-1986)被认为是美国最具影响力的人物之一,他是建筑师、家具设计师和产品设计师,他在建筑理论的研究和家具方面取得了巨大的成就,是最早注意研究建筑生态学的建筑师之一。同时作为著名的设计评论家,尼尔森的设计思想影响非常大,并时常富有卓越的远见。本文以尼尔森为个案,着重对其设计实践和思想进行梳理和研究。
  文章内容共分为四部分。第一部分对于乔治·尼尔森的时代背景和社会发展进行阐述和分析,通过结合文献资料总结了第二次世界大战期间和战后美国的设计概况,主要从尼尔森所处的社会经济环境(包括二战之前、战争期以及战后)、欧洲设计师在美国的设计探索与实践、新技术条件下美国设计的新发展以及战后美国设计艺术教育的发展四个方面分析,试图探寻时代背景对乔治·尼尔森设计思想的影响。
  第二部分探索尼尔森设计思想源流。以时间顺序为线索,阐述乔治·尼尔森的生平背景,并介绍了对乔治·尼尔森设计思想形成过程中起到重要作用的现代主义设计大师,最后对尼尔森的设计理念进行概括和总结。
  第三部分结合尼尔森的设计实践探索,从家具设计、视觉传达设计、建筑规划设计、展览设计四个方面进行梳理,选取典型案例,对各个领域的设计作品进行描述。
  第四部分从对美国本土现代设计的影响和对研究尼尔森设计思想对于现代设计的意义两方面进行分析,结合赫尔曼·米勒公司、尼尔森设计事务所以及普罗布斯特、艾多尔·所特萨斯等设计师分析尼尔森设计思想的重要性,最终对乔治·尼尔森个案研究引发的对于当下设计的思考。
  乔治·尼尔森卓越的设计涵盖了家具、建筑、影像与平面设计,尤其是家具、建筑设计领域,成就斐然。他是波普风格的先导,功能和情感传播者,绿色设计的倡导者。他用实践证明了现代产品设计如何为人们的日常提供服务,提高人们的生活质量,丰富人们的生活多样性,他的设计实践极大丰富了现代设计理论。
[硕士论文] 李婷
文艺学 重庆大学 2016(学位年度)
摘要:本文以“光韵作为救赎”为线索梳理了本雅明的艺术理论,通过文本细读的方式发现本雅明艺术理论的整体性和前后关联。首先分析了本雅明艺术理论的关键概念“光韵”和“震惊”,并指出光韵和震惊概念的内在关联,即光韵的本质内涵就是救赎,而震惊是现代艺术重现光韵以实现救赎的手段。论文梳理了本雅明语境中从艺术品的光韵到自然物的光韵再到语言论所引向的神圣光韵这样一条理解线索,结合本雅明的语言论,论文指出光韵的本质内涵是上帝用创造性语词创造万物的创造性,进而也是亚当通过对万物的命名、翻译照亮万物之真理内容的解放和救赎,也就是本雅明通过艺术批评达到的“救赎”,这意味着“光韵”作为救赎是贯穿本雅明理论思考始终的。本雅明语境中的震惊具有破坏和重建的双重价值,即震惊既标识出现代人经验的断裂和贫乏,又使现代艺术利用震惊手段克服这种贫乏,而这就使现代艺术能够凭借震惊手段重现光韵。
  本研究指出本雅明语境中的“光韵”体现在叙事文学对人类共同体经验的传承和视觉艺术中展现的审美理想两方面,这不仅是本雅明借助时间艺术和空间艺术实现救赎的两条路径,也标志出行动和静观两种人生态度。本雅明作为从古典到现代转折期的思想家,其整个运思都呈现出从古典的静观到现代的行动转变的倾向,而这种倾向又重点体现在视觉艺术中光韵的审美价值逐渐消逝而光韵的政治价值逐渐显现的过程,这使现代电影作为本雅明寄予救赎希望的艺术形式具有不同于绘画的救赎意义。通过分析视觉艺术中光韵的消逝与重现勾勒出从审美性的古典绘画到摄影和电影的现实政治价值的变迁过程。指出电影作为时间性和空间性的综合艺术,本雅明既强调了其审美性光韵的消逝,也通过震惊赋予电影以现实的政治价值,从而使电影以讲故事的形式发挥着立足当下的政治作用。此外,本雅明特别重视电影的震惊开启的不同于古典艺术的回望传统、不同于布莱希特和现代主义要求理智介入的另一种接受方式,这种方式不但契合讲故事的集体消遣,还契合人们对事物命名时的非分析的整体性的认知态度,而这赋予电影独特的价值。
[硕士论文] 陈鹏
艺术学理论 河南大学 2016(学位年度)
摘要:二十世纪的西方艺术界,无疑是一个充满激进和理想的时代。这一时期出现了大批的先锋艺术家,而在这之中尤以约翰·凯奇大放异彩。约翰·凯奇(John Cage,1912—1992)著名的美国作曲家、视觉艺术家、哲学家,“机遇”音乐的代表人物。作为20世纪美国最具影响力的艺术家,他打破了传统艺术中听觉、视觉感官自为一体的模式,将其融合发展并上升到一种综合性的艺术形式。他的先锋艺术思想不仅引起了一场音乐界的革命,甚至影响了视觉艺术领域的创作。本文基于对艺术学学科下具体艺术现象的关注,主要是做对约翰·凯奇的个案研究。文章的中心是对约翰·凯奇先锋艺术思想的形成过程做整体性的考察与探究。
  本文旨在从发生学的角度,按照时间发展的顺序,以凯奇先锋艺术思想形成过程中的转变为节点,由宏观的时代背景和凯奇个人发展的微观境遇两个维度出发来观照其先锋艺术思想形成过程和主要影响因素:20世纪早期,美国移民潮的出现为凯奇的故乡加州带来了巨大的文化张力,多元融合的艺术界为凯奇的成长和艺术创作带来了无限的可能。在凯奇先锋艺术思想形成的过程中,经历了三个重要的发展阶段:早期深受东方哲学(印度哲学、禅宗、《易经》)的影响,形成了凯奇先锋艺术思想最根本的基础和信条;60年代初期,在凯奇艺术创作生涯的巅峰时期,他反将目光转至对社会的关注,并将个体对社会的美好期许寄存于艺术作品中,以达到将观念传递给公众的目的;在后期的创作中,凯奇依然处于对艺术不间断的探索之中,从艺术门类融合的实验到多元媒介的重构,并试图建立一个具有整体性原则的艺术教育模式。凯奇先锋艺术思想的形成经过了曲折而又复杂的历程,在这跌宕起伏的过程中形成了凯奇所独有的先锋艺术思想:“偶然”与“不确定性”的艺术创作理念、艺术作用于社会的功能论以及媒介重构与融合的艺术教育理念。凯奇作为20世纪美国最具影响力的艺术家之一,对艺术界产生了不可估量的意义与影响,对凯奇先锋艺术思想的形成过程做细致入微的考察,意义在于对近20年国内对约翰·凯奇艺术研究缺失的弥补以及对这位以“4分33秒”闻名于世的先锋艺术家约翰·凯奇的认识做出进一步推进。
[硕士论文] 李云霞
思想政治教育 华中师范大学 2016(学位年度)
摘要:文艺的永恒价值是追求真善美,文艺能够承载思想政治教育的原则、内容、要求等相关信息并能与教育对象进行深层次的思想互动,在思想政治教育中发挥着独特作用。中国共产党历来高度重视运用文艺载体开展思想政治教育,取得了宝贵的历史经验;近年来,中央领导人在讲话中多次强调文艺在培育和弘扬社会主义核心价值观中的独特作用,先后以中共中央办公厅或者中组部或者宣传部的名义印发相关文件倡导运用文艺载体培育和弘扬社会主义核心价值观。因此,认真总结中国共产党运用文艺载体开展思想政治教育的历史经验,深入挖掘文艺载体在培育和弘扬社会主义核心价值中的独特作用,全面分析运用文艺载体培育和弘扬社会主义核心价值观的时代际遇,探索新时期运用文艺载体培育和弘扬社会主义核心价值观的路径,是一个具有重要意义的现实课题。
  本研究分为四个部分:第一部分从“文艺”的本质出发,对相关概念进行阐释,论证文艺能够成为培育和弘扬社会主义核心价值观的重要载体,并总结中国共产党运用文艺载体开展思想政治教育的历史经验;第二部分从文艺作品的辐射面、感染力、吸引力和实效性四个方面深入分析了文艺载体在培育和弘扬社会主义核心价值观中的独特作用;第三部分结合当下文艺发展的状况、时代发展趋势以及人们的思想特点,从机遇和挑战两方面分析了当下运用文艺载体培育和弘扬社会主义核心价值观的时代际遇;第四部分借鉴中国共产党运用文艺载体开展思想政治教育的历史经验,并结合当前运用文艺载体培育和弘扬社会主义核心价值观的机遇与挑战,提出了运用文艺载体培育和弘扬社会主义核心价值观的具体策略。
[博士论文] 潘斌
中国古代史 华中师范大学 2016(学位年度)
摘要:艺术的转型与勃发是魏晋时期引入瞩目的文化现象,它以个体意识的觉醒为缘起,以艺术人生的实现为旨归,庄子思想在其中具有重要的导向作用。本文以汉晋之际庄子思想的发展为主线,以魏晋艺术的时代特点和主体特征为视点,由此立体地呈现汉魏六朝时期庄子思想的盛行、人的觉醒与艺术的勃发三者之间相互交融、彼此影响的人文现象,并揭示其内在关联、诠解其共同意味,进而解读魏晋时期的人文艺术精神。
  在汉晋之际“人的觉醒”思潮中,庄子思想中关于真实人生与独立人格的反思、阐发,为个体从群体中的独立给予了重要引导,也为觉醒后的人进行精神世界的建构提供了必要依据,从汉末士大夫个体意识的发展到“竹林”文人精神世界的建构,可以看出庄子思想日益显重的地位与作用。艺术独立精神的形成与呈现,既是士大夫内心自觉的主要征象,也是他们精神世界建构中的重要部分。以形神观、自然观为主的审美观念,“技进乎道”、“天地之大美”、“无用之大用”的艺术境界等等,无不清晰地呈现着庄子思想的印迹。
  纵观汉晋之际文艺思想的转型与发展轨迹,从张衡、马融等汉末士大夫“不以世用撄怀”的文艺创作及其对老庄思想的人生体悟,到建安文人对文学独立性的标举和文人宴游集会生活方式的形成,从蔡邕“恬淡清逸”的琴乐审美观和“反其天真”的音乐功能观,到阮氏家族的道家人生态度和由儒入道的艺术情怀,再到嵇康“越名教而任自然”的人生导向与“音声有自然之和”的艺术自觉,皆贯穿着庄子的思想精神。
  在魏晋艺术风尚由“诗、书、礼、乐”向“琴、棋、书、画”的转变过程中,庄子思想为之赋予了丰厚的文化内蕴。古琴艺术由从宣教“礼乐”到讴歌“人性”的转型,围棋艺术向“志之空闲,酝弄游意”之道境层面的上升,以及最具体、最适当地表现了晋人个性与自由率真的精神人格的书法艺术,充分展示出传神之气韵、山水之趣灵、艺术之心境的绘画艺术,无不是重领悟、重自我、重审美、重超越的庄子思想精神之产物。
  庄子思想也造就了魏晋艺术独特的生命情致与人生况味。面对“情”、“礼”之冲突,魏晋文人多继承庄子的思想观念,从而使这一时期的情感艺术亦带有庄子式的精神意趣,以真情为本、以深情为质、发以任情、达于适情,是其主要特点。面对山水自然,庄子思想中含蕴的天地之大美在魏晋文人的体悟中得以显发,随着山水审美意识的自觉与发展、庄子“采真之游”、“逍遥游”的落实与实践,山水怡情蔚然成风,艺术心境由此展现。
  魏晋艺术的精神意蕴经庄子思想的浸润而得以深化和升华,其人文意义在东晋文人的身心世界中得以充分彰显,文人精神生命经由艺术的陶养而愈发丰富和完善,他们在残酷的现实里重建审美的生活,在失意的人生中回归诗意的栖居,并以乘物游心之逍遥姿态“与天地精神相往来”,为后世的中国传统文人开创出一个超越自足的精神世界,也为“人”的进一步发展和完善起到了重要作用。
[硕士论文] 汤海燕
文艺学 安徽大学 2016(学位年度)
摘要:本雅明,1892年出生于德国一个富裕的犹太人家庭,于1940年初逝世于西班牙边境的小城。他是20世纪西方马克思主义最重要的美学家、文艺批评家之一,在其短暂的一生中,创作了众多影响后世的作品,生产了许多有影响力的理论成果,促进了马克思主义艺术批评理论的发展。本文要介绍的是本雅明的艺术生产理论。他的艺术生产理论并非有一套系统的阐释程序,例如先提出概念,进行概念的界定,然后进行推演和论证,这是一般理论家的做法,而本雅明是反对这种概念式思维的。所以对本雅明艺术生产理论的分析,只能从他的著述中寻找资源,这些资源主要包括《作为生产者的作者》、《机械复制时代的艺术作品》等作品。在这些作品的基础上,本雅明建构了比较系统的艺术生产理论。而且他的艺术生产理论也对社会文化的发展产生了重要影响,具有非常重要的社会价值和意义。由此,本文主要从本雅明艺术生产理论的理论探源、对本雅艺术生产理论的建构、以及本雅明艺术生产理论的影响和意义这三个大的方面对本雅明的艺术生产理论进行论述。
  首先,第一个部分主要讨论了本雅明艺术生产理论的几个方面的来源。论述了马克思艺术生产思想对本雅明的影响,以及本雅明的艺术生产思想对它的继承和发展。随后,分析了布莱希特在戏剧技巧的革新、对观众的看重等方面带给本雅明的启示,重点介绍了布莱希特的戏剧“中断”理论,因为它对本雅明的理论影响很大。本部分的第三个方面对本雅明和阿多诺对文化工业的争论进行了分析,指出他们之间所具有的差异和各自对技术和人类关系的态度,重点突出了本雅明对技术的态度。
  第二部分是本文的主体部分,具体从艺术生产者,艺术作品和艺术消费三个层面构建本雅明的艺术生产理论体系。在《作为生产者的作者》这篇文章中,本雅明认为传统的文艺创作者已经转化为出卖劳动的生产者,从而指出这些作者应该为无产阶级的解放事业写作,不断生产具有生产功能的文艺作品,改造旧的艺术作品。本雅明也对艺术作品的“灵韵”的消逝和价值的转变现象进行了论述,流露出了他对技术给传统艺术带来的变化的矛盾态度。在艺术消费这一层面上,突出强调了本雅明对读者的作用的重视,他认为文艺作品的生产者和接受者是能够相互转化的,读者不再是被动的接受者,而成为了可以参与到艺术产的合作者或者可以直接成为艺术作品的生产者,他以无产阶级社会的报纸为例对此进行了说明。
  最后一个部分论述了本雅明艺术生产理论的价值和意义。首先,本雅明的艺术生产理论有一个贯穿始终的主线那就是强调了文艺作品的政治倾向,社会功能,强调艺术要为社会服务,而这就与中国文化传统中重视文学的教化作用有异曲同工之妙,那么这就对中国的文艺现象尤其是对当下迅速发展的消费文化现象具有重要的指导意义;本章也简要说明了法兰克福学派所处时代的大众文化和中国大众文化的本质区别。其次,他的艺术生产理论对技术给艺术带来的变化持比较乐观的态度,阐明了大众文化所具有的积极方面的作用,打破了法兰克福学派对技术理性批判的垄断地位和对大众文化的敌对态度,促进了当代社会消费文化和后消费文化的发展。
  总之,本文以本雅明艺术生产理论的来源为起点,开启了讨论本雅明艺术生产理论的源头。重点梳理了本雅明艺术生产理论的重要内涵,包括生产者、作品、艺术消费,建构了本雅明艺术生产理论的轮廓。在文章的最后讨论了本雅明艺术生产理论的意义以及在当下社会可挖掘、可产生的价值。
[硕士论文] 王小涛
马克思主义中国化研究 山西财经大学 2016(学位年度)
摘要:当前中国经济发展进入新常态。这既是一个重要的历史发展机遇期,同样也是经济发展速度结束“黄金期”而转入中高速的平稳发展阶段。马克思主义认为,经济基础决定上层建筑,上层建筑反作用于经济基础。作为上层建筑的文艺,最能反映一个时代前进的号角,文学艺术作用极其重要,文艺工作者大有可为。习近平的文艺思想,立足于当前我国经济历经30多年的高速发展而进入新常态时期、社会文化思想多元化、文学艺术领域面临新形势、新情况、新问题的现实,习近平继承和发展了党的文艺思想,创造性地回答了事关文艺繁荣发展的一系列带有根本性、方向性的重大问题。特别是在2014年10月15日习近平在文艺工作座谈会上发表的重要讲话,集中体现了他的文艺思想,是指导我国文艺工作的纲领性文件。
  本文通过对大量文献的梳理,深入分析了习近平文艺思想的几个主要方面,并对这些文艺思想进行了概括和总结,比较全面地剖析了习近平文艺思想的理论和实践来源,其思想在理论上继承和发展了从马克思、恩格斯到毛泽东、邓小平的文艺主张和要求。同时吸收和借鉴了中国传统优秀文化和外来优秀思想。而当前中国文艺所面临的新情况、发展过程中展现的新问题是其实践来源。文章主要从文艺建设的方向、文艺建设的方法和要求、文艺建设的灵魂以及文艺与政治的关系四大方面阐述了习近平文艺思想的主要内容:方向是要坚持为人民大众服务,为社会主义服务;要求和方法主张以“精品论”为依托推进文艺事业繁荣发展;推动以“中国精神”为灵魂的文艺建设;同时加强和改进党对文艺工作的领导,体现文艺的党性和人民性的统一。通过对习近平文艺思想内容的高度概括与提炼,其基本特点包含着人民性、创新性、实践性等。习近平的文艺思想丰富和发展了马克思主义的文艺理论,体现了马克思主义的认识论和方法论,也深刻反映了社会主义文艺的本质要求,同时为当前我国文艺的繁荣发展提出了高屋建瓴的指导意见,又具体地为文艺创作与文艺工作提出了有可操作性的、建设性的思路和措施。
[硕士论文] 秦乙丹
美术 四川美术学院 2016(学位年度)
摘要:本文主要讨论的西方二十世纪六十年代诞生的观念艺术中,文本在观念艺术发展中的使用与参与及其语言的转向。文本、话语及形式在深化了艺术作为视觉产物的意义,使艺术作品不仅仅停留在图像符号的解读视角,重新审视了艺术可以带来的更多面的问题的思考,以及艺术语言无限张力的可能性。
  在观念艺术的使用中,文本不仅仅是传达思想的一个途径和工具,二十世纪哲学及语言学的问题也引起了观念艺术家对于语言运用及参与进创作方法论的变革的重视,文本运用逐渐成为一个独立的,具有一个形态与意识的场域,也带动了观念艺术家从文本运用的角度,重新去思考图像自身的许多问题。
  在观念艺术中文本运用的工作方法中,逐渐形成了几个层面的状态。一是把文本作为一个现象入手,在历史、哲学、政治、社会与文化之间,寻求与意识形态、技术之间相协调,文本成为一个可以在现象与思想之间搭载的物,象征性地成为以文载物的形式,这里我把它称之为形式上的装置。二是在语言学的层面上,文本与图像、文本与符号、文本与概念和意识形态之间相融相生的关系,即文本作为修辞功能时的隐喻性与转喻性。三是把文本中的语言作为工作的界面,在语言的本体结构内进行工作,字、词、句与字意、语义、符号之间的关系,形成一种与公共空间对话的方式,即制定一种规程。四是用文本自身的可查阅与书写的本质特性,去梳理与透析社会、文化、历史中矛盾与冲突的情境,把文本作为一个可以直观地去透析中心问题的途径与手段,即考古学式的推演。
  观念艺术一直以来都在进行着对于艺术本体的概念及功能的追问及考察,文本的运用促成了艺术的概念本身,它与任何试图进入观念艺术的目光都发生了思维的碰撞,产生出一个心智模式的过程。文本所指示的方向是清晰的,即艺术家把艺术创作的目光从有形的实体转向到了心智的体验,文本取代了有形的物,而不仅仅是与传统材料嫁接起来的物品发生的关系,文本把艺术凝视的目光从叙述引向了意念,尽可能发挥人类心智的主观能动性。
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